为什么有些作曲家/词曲作者选择倒转而不是根位置？

解答动态

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  你说的低音线更流畅的观点是正确的，但你必须考虑到旋律与低音线的张力和释放示例：
  
  这里我们可以看出低音线和旋律形成了完美的五度和小三度，如果处于根部位置，就不会发生这种情况。
  正如你所看到的，这里有相当多的张力。一开始是低音的G音，旋律是E，接着是G音，然后是D，然后是F（旋律），这是一个很强的不和谐，但是当低音也转到F时，不和谐就解决了。同样的情况也会发生在下一个音符上，低音上有一个F，旋律上有一个E（产生张力），它会分解成一个C，一个小三度，释放张力。
  这里有一个不太和谐的张力，在第四度和第三度（前两拍）之间，反之亦然（后两拍）。 这对于作曲家使用倒转来创作这类东西。
  有人能给我一些提示或想法，为什么在这个例子中，倒转可能比根位置更受欢迎？坦白说，这很客观。当你创作一首歌或一首曲子的时候，看看什么对你有用。把放在根位置，看它们和旋律的声音如何。试着倒转其中一些，使低音线更平滑或创造之间的低音线和旋律紧张。或者，把放在根位置几次，然后把它们倒过来，这并不少见；为了让听者的耳朵能感觉到东西的辛辣。
  还有，@Andrew Chin的评论很贴切。另一种使用倒转的方法是改变低音线，以保持相同的，但有一个的低音线。这是一个有趣的实验，当你有相同的（或类似的）在一个作品中播放了很长一段时间。
  
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  另一个原因，类似于其他答案，是第一倒装听起来不太稳定的根位置。有时，在一首乐曲的中间有一个节奏的进行（V-I或V7-I或V-I或V7-I等）。如果主音和/或主音出现在倒转中，那么节奏听起来就不那么确定了。当需要更大的最终性时，可以使用根位置。和声是一样的，但节奏感被冲淡了。
  其他答案中提到的主要原因是允许低音准于旋律（但仍然支持）。一般来说，在大多数体裁中，人们喜欢低音和旋律来形成良好的两部分对位。作为一个极端消极的例子，试着把旋律作为低音线来演奏。我认为有两种主要的方法来看待这一点：历史的和声学的。在西方音乐史上，和声最初被认为是多个声音朝不同方向运动的对位。相反地移动声音的合成过程称为声音引导。我们今天的理论是从中世纪到19世纪前后几个世纪音乐理论发展的结果。从这个历史的角度，你可以说，尤其是倒转，是对位语调引导的结果。本文认为是一个垂直的概念，是旋律运动的后遗症，是一个水平的概念。换言之，你得到倒转作为一个由旋律逐步移动低音的结果。作曲家之所以选择倒转，可能仅仅是因为他们想把低音调得有旋律。你也可以从声学的角度来考虑。背景资料，这是泛音系列和的性质。其基本思想是区间可以被视为一个相对和谐和稳定的频谱，这导致一个主要的三在根位置作为最稳定的谐波结构。从这个角度来看，倒转是相对不和谐和不稳定的。不稳定音到稳定音或不和谐音到辅音的起伏是为音乐提供前进动力和表现力的主要手段。从这个角度来看，作曲家使用倒转是因为它们的不稳定性提供了前进的动力和表现力。
  但第三件事确实需要提到：作曲家在和声风格中使用共同的模式。我上面提到的两个理论观点可能是倒转在声学上如何发展和工作的基础，但在写作时可能并没有考虑太多。如果有人写了一篇像iv6/4i6这样的文章，不一定会有很多关于倒装的想法，这只是一个常规的动作。构图上的关注点可能是诸如在短语结构中的位置，或是节奏的主题处理。因此，作曲家之所以使用某些倒装，可能是因为它们是某些风格或流派中的传统和声材料。然后是线和内部零件。然后一些音乐家开始将某些有用的垂直音符组合归类为“”。
  今天的一些音乐家倾向于从开始。旋律、低音和内心的声音是次要的。好吧，好吧，但这是非常有限的。
  G/B和A/C在《辉煌》中是关于低音中的B和C，以及旋律中的F和E。事实上，它可以由基于三的名称来描述是次要的。
  
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  研究一个叫做“声音引导”的概念，从音乐理论的角度来理解为什么这是有用的。一个主要的副作用是，大多数的歌曲变得更容易用乐器演奏。
  
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  这个答案实际上只是对其他答案的补充，这些答案已经指出了主要的原因：我们需要一个旋律优美的低音线，并能很好地进行对位。
  有时，作曲家追求的只是声音。举个例子，如果你听到教堂风琴演奏的第一倒装半减，那么你很可能在婚礼上，听到门德尔松婚礼进行曲。
  有时低音线的构造并不意味着特别有旋律或对位，但你希望它是推进的或不是单调的。
  例如，有相当一部分音乐的进行是简单的V-I重复一遍又一遍，如果我们不使用倒转，低音线将是超级单调的，只是一个无休止的oom-pah。
  对于推进，我们有像杜克艾灵顿调这样的例子“不要再到处走动了。”；低音中有一条线（在C中）像C D D E，或者有一个陈词滥调像Am/G Am/G Am/F，它给你一些运动感，而不仅仅是一个静态的三。我不认为这两个例子是特别旋律或对位-他们只是不伦不类的规模片段
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